Kpop Detailed profile of **Lee Jae** (이재), composer for *K-Pop: Demon Hunters*
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Writer AndyKim1
Hit 18 Hits
Date 25-10-10 21:50
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# English — Detailed profile of **Lee Jae** (이재), composer for *K-Pop: Demon Hunters*
**Biography & early background**
Lee Jae grew up in a household where music was constant: parents who listened to older ballads and folk records, a sibling who learned piano, and neighborhood festivals that left impressions of communal singing and rhythmic celebration. From an early age he was curious about sound—how a single melody could make a room change mood, how a drum pattern could make people move together. That curiosity led him to formal lessons in piano and basic theory, but his real education came from listening widely: pop and R&B on the radio, film scores late at night, traditional Korean gugak passed down at family gatherings, and the electronic textures of modern dance music.
**Musical education and formative influences**
Lee combined conservatory-style study with voracious self-directed learning. He studied harmony and orchestration in school while teaching himself digital audio workstations (DAWs) and synthesis. Influences include classic film composers (for their sense of leitmotif and tension), contemporary pop producers (for hooks and commercial structure), and traditional Korean musicians (for modes, timbres, and rhythmic patterns). Over time he developed an approach that respected classical technique but embraced production-era tools: hybrid orchestration, live instruments processed through software, and rhythm programming that draws from both Korean folk meters and global pop grooves.
**Early career & first projects**
His first professional work came from writing sketches and production tracks for indie artists and small theatre productions. These projects trained him in tight turnaround, collaborating with vocalists who had limited studio experience and directors who wanted precise emotional beats. He learned to make fast, communicative demos that conveyed mood and arrangement without polished production—an ability that later proved crucial in K-pop studio workflows.
**Breakthrough and involvement with *K-Pop: Demon Hunters***
When the *K-Pop: Demon Hunters* project began, producers wanted music that could exist on two levels: ear-catching pop singles for mainstream release, and cinematic, motif-driven pieces that supported a mythic narrative. Lee was brought in for his hybrid skill set. He developed character motifs (musical signatures for Suho, Jisu, and the antagonists), arranged pop songs that doubled as magical “sigils,” and produced battle themes that used rhythmic choreography cues. His work on the project emphasized the idea that a song can be both a chart hit and a narrative device—hooks that double as ritual chants, drops that function as ritualized percussive seals.
**Signature sound & compositional approach**
Lee’s signature is layered contrast: warm, organic instruments (string pads, woodwinds, acoustic guitar, gayageum samples) framed by sharp, modern production (synth leads, aggressive percussion, side-chained atmospheres). He composes with motif-first thinking: a small interval or rhythm becomes a hook, and that motif is stretched, inverted, and reharmonized across different tracks so the entire soundtrack feels coherent. He favors dynamic arrangements—sections that breathe, moments that strip back to an intimate vocal + minimal texture, then explode into full-band or orchestral statements. Textural detail is paramount; subtle background sounds—distant bells, field recordings of markets or subway stations, hollow temple reverbs—give each cue a sense of place.
---
## The songwriting & production pipeline — from idea to finished song
**1. Concept & brief**
Lee begins with a concept: is the track a character theme, a concert single, or a battle cue? He maps narrative needs (emotion, tempo, instrumentation), the intended arrangement for live performance, and commercial targets (length, hook timing).
**2. Sketch / demo phase**
He makes quick demos (30–90 minutes) to lock mood and form—piano or synth sketch, a simple beat, and a rough vocal guide. These demos are deliberately rough: they communicate the song’s scaffolding so stakeholders (directors, label execs, choreographers) can react quickly.
**3. Pre-production & arrangement**
Once approved, he fleshes out arrangement: intros, drops, bridges, and instrumental breaks keyed to potential choreography. He writes guide charts for session musicians and arranges parts for traditional instruments when needed, often notating motifs but leaving space for performer interpretation.
**4. Production & sound design**
Lee programs drums, designs synths, records live instruments, and blends them. He often records small ensembles (strings, woodwinds) in close mic setups, then processes them—saturation, granular effects, or spectral shaping—to sit in a modern pop mix. For *Demon Hunters*, he integrated traditional Korean instruments either with recorded players or high-quality sample libraries, then treated those sounds with contemporary production (sidechain compression, transient shaping) so they read as both ancient and modern.
**5. Vocal production & recording**
Vocal production is a central focus (see below for an extended section). Lee crafts guide vocals, reference tracks, and emotional maps so singers can inhabit the character. He directs phrasing, breath placement, and dynamic shading to match the song’s dramatic arc.
**6. Editing, comping & tuning**
After recording, Lee compiles the best takes (comping) and edits for timing and feel. Pitch correction is used tastefully: correct where needed but preserve micro-pitch and human breath to keep emotion intact. He prefers “melodic-aware” tuning that preserves vibrato and nuance.
**7. Mixing & mastering**
Mixes prioritize clarity of hook and vocal presence while honoring low-end impact for live systems. He mixes to leave headroom for mastering, which balances perceived loudness without killing dynamics—especially important when a song must function both as a radio single and a cinematic battle cue.
**8. Pre-release rehearsal & live arrangement**
Before release and especially prior to stage performances, Lee meets with choreographers and musical directors to adapt arrangements for live bands, in-ear monitoring, and choreography cues. He produces performance stems (vocal stems, backing tracks, click track, intro/outro cues) so live shows can reproduce the dramatic moments reliably.
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## How Lee makes singers perform — detailed vocal direction process
**Preparation & emotional mapping**
Before the singer enters the booth, Lee provides a short “emotional map”: one-page notes that describe the scene, the character’s emotional arc through the song, key words, and desired tone (e.g., “restrained anger,” “longing that breaks at the pre-chorus”). He also shares reference performances—both vocalists and actors—so the singer has concrete models.
**Warm-ups & technical setup**
Sessions start with breathing and vocal warm-ups matched to the song’s demands (long sostenuto lines, quick melisma, chest-voice power). Microphone choice and preamp settings are selected to flatter the singer’s timbre; he prefers a setup that requires the least corrective processing so natural expression remains.
**Guide vocals & reference tracks**
Lee provides a guide vocal that demonstrates phrasing, pitch contour, and timing. The guide is almost always sung expressively—he wants singers to copy an emotional shape rather than robotic timing. Reference tracks (finished mixes or isolated phrases) help singers hear production context: where to hold notes for reverb tails, where to cut breath to leave space for a dramatic drop.
**Phrasing, word painting & acting**
Lee coaches performers to “act” while singing: small changes in consonant delivery, vowel modification, or breath placement can sharpen meaning. He uses concrete physical metaphors (“imagine pushing against a heavy door on the word ‘break’”) so singers can translate feeling into measurable actions.
**Stacking, harmonies & ad-libs**
He plans and records stacked lead layers for warmth, double tracks for choruses, and carefully arranged harmonies. Backing vocals and ad-libs are used narratively—an echoing vocal line might represent a character’s memory. Lee often records harmonies with the lead singer to match tone color, then supplements with session singers or vocalists with contrasting timbres.
**Multiple takes & risk management**
Lee prefers capturing many emotional takes rather than obsessing over perfect pitch on the first pass. This generates options for comping and allows the most emotionally truthful phrases to be selected. He also schedules “late” short sessions after initial recording to capture ad-libs or spontaneous moments.
**Comping & subtle tuning**
When comping, Lee chooses complete phrases that feel real. Tuning is minimal and musical: he tweaks only where pitch distracts, preserving slides and breaths to keep human expression. He focuses on transient attacks and alignments so the vocalist sits in the mix without losing pulse.
**Production effects for expression**
Effects—delay that swells on a held note, filtered reverb to imply distance, saturation to add grit—are used to underline emotion. He often automates effects so they arrive at the exact moment the lyric demands emphasis.
---
## Character themes, world-building, and narrative cohesion
For *K-Pop: Demon Hunters* Lee invents leitmotifs: short intervals or rhythmic cells that identify a character or a supernatural force. He reuses and transforms these motifs across pop singles, battle cues, and atmospheric pieces so listeners get subconscious continuity. He also uses instrumentation as a storytelling device: Suho’s theme might always include a bright plucked string, while Jisu’s motif uses a fast rhythmic percussive element. Antagonists are underscored with low spectral material and mechanical rhythms that contrast with the human warmth of the protagonists.
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## Artistic growth, challenges, and work ethic
Lee’s growth story includes early setbacks—rejected demos, tight budgets, and creative compromises. He learned to translate feedback into revisions quickly while protecting the core emotional idea. Mentors (older composers, arrangers, and traditional musicians) shaped his respect for craft. He keeps a disciplined routine: daily listening, regular composition sprints, and weekly collaboration sessions with vocalists and instrumentalists. Failure for him is a learning point; technical problems are solvable with iteration, but loss of emotional honesty is not.
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# 한국어 — 케이팝 데몬헌터스 작곡가 **이재**의 상세 프로필 (성장과정·작곡/녹음/보컬 디렉션 과정 포함)
**성장 배경과 초기 음악 경험**
이재는 집 안에서 항상 음악이 흐르는 환경에서 자랐다. 부모는 옛 발라드와 민요를 즐겨 들었고, 동생이 피아노를 배우는 모습을 보며 자연스럽게 멜로디와 리듬에 흥미를 가지게 되었다. 어린 시절부터 그는 한 소절의 멜로디가 공간의 분위기를 바꾸는 경험, 한 박자의 리듬이 사람들을 움직이게 하는 힘을 관찰하며 자랐다. 정식으로는 피아노와 기초 음악 이론을 배우기 시작했지만, 학습의 많은 부분은 스스로 다양한 장르를 듣고 실험하면서 채워졌다. 라디오의 팝·R&B, 늦은 밤 들은 영화음악, 가족행사에서 들은 국악, 그리고 전자음악의 텍스처까지 폭넓게 흡수했다.
**음악 교육과 형성기 영향**
그는 정규 교육에서 화성학과 관현악법을 배웠고, 동시에 DAW와 신디사이저를 독학했다. 형식적인 작곡 기법은 오케스트레이션과 주제 개발에 도움을 주었고, 스스로 익힌 프로덕션 기술은 현대적인 사운드를 만들게 했다. 영화음악가의 주제 개발 방식, 팝 프로듀서의 훅 구성법, 한국 전통음악의 음색과 리듬 모두가 그의 음악적 언어를 만들었다. 결국 그는 전통적 기법과 현대 제작 기술을 결합한 하이브리드 스타일을 확립했다.
**초기 활동과 첫 실무 경험**
초기엔 인디 아티스트의 프로덕션, 소규모 연극음악, 광고 스케치 작업 등을 하며 프로페셔널한 환경에 적응했다. 이 과정에서 짧은 시간 안에 정서와 편곡을 전달하는 능력, 한정된 예산과 시간 내에서 최대 효과를 내는 방법을 배웠다. 이런 실전형 스킬이 이후 K-Pop 스튜디오 환경에서 빠른 결정과 반복에 매우 유용하게 작용했다.
**케이팝 데몬헌터스와의 인연**
*케이팝 데몬헌터스* 프로젝트에서 제작진은 ‘차트 히트곡이면서 이야기의 장치로 기능하는 음악’을 원했다. 이재는 캐릭터별 모티프 제작, 팝 곡 속 기호(ritual-like hooks) 설계, 전투 테마의 안무/박자 신호화 등을 통해 요구를 충족했다. 그의 목표는 “노래가 곧 마법 의식”이라는 콘셉트를 음악적으로 설계하는 것이었다.
**시그니처 사운드와 작곡 방식**
이재의 특징은 대조의 레이어링이다. 따뜻한 어쿠스틱 레이어(현악 패드, 목관, 어쿠스틱 기타, 가야금 샘플 등)를 날카로운 현대적 프로덕션(신디 리드, 공격적인 퍼커션, 사이드체인된 앰비언스)으로 둘러싸는 식이다. 모티프 중심 작곡을 선호해 짧은 간격이나 리듬 셀을 훅으로 삼아 곡 전체에서 변형해 사용한다. 또한 동적 편곡을 좋아해, 최소한의 편곡에서 시작해 감정이 폭발하는 대규모 클라이맥스로 발전시키는 구조를 자주 쓴다.
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## 작곡과 제작의 단계별 과정 (아이디어 → 완성곡)
**1. 컨셉과 브리프 정리**
트랙의 목적(캐릭터 테마, 콘서트 싱글, 전투용 악곡 등)을 정하고, 감정·템포·악기 구성을 계획한다. 라이브 퍼포먼스와 상업적 목표(후크 타이밍, 길이)도 초기부터 고려한다.
**2. 스케치/데모 단계**
피아노나 신스 스케치, 간단한 비트, 러프 가이드 보컬로 30~90분 내에 데모를 만든다. 이 데모는 기획자, 연출가, 레이블이 빠르게 피드백할 수 있게 만든다.
**3. 프리프로덕션/편곡**
인트로·드롭·브리지 등 구성요소를 세부화하고 안무와 맞물리는 부분을 설계한다. 실제 연주자를 위한 악보를 작성하되 즉흥적 여지를 남겨두는 편이다.
**4. 사운드 디자인과 프로덕션**
드럼 프로그래밍, 신스 디자인, 라이브 악기 녹음을 병행한다. 현악·목관 등은 근거리 마이크로 녹음한 뒤 소프트웨어로 가공해 현대적 사운드로 녹여넣는다. 국악 악기는 직접 연주자 섭외 또는 고퀄 샘플을 사용해 녹음하고, 이후 프로덕션에서 처리하여 고전성과 현대성의 균형을 맞춘다.
**5. 보컬 프로덕션과 녹음**
보컬 작업은 매우 중요하다. 가이드 보컬과 레퍼런스를 제공해 가수가 곡의 정서를 정확히 이해하게 하고, 발음·호흡·프레이징을 디렉팅한다. (아래에 더 상세 기술)
**6. 편집·컴핑·튜닝**
녹음 후에는 최적의 프레이즈를 조합해 컴핑하고, 타이밍·톤을 보정한다. 피치 보정은 감정을 훼손하지 않도록 최소한으로 사용한다.
**7. 믹싱·마스터링**
훅과 보컬을 중심에 두고 저역의 힘과 다이내믹을 유지하도록 믹싱한다. 마스터링은 라디오와 스트리밍 포맷에서 충분히 경쟁력 있는 음량을 얻되, 이야기적 다이내믹을 훼손하지 않도록 조정한다.
**8. 리허설·라이브 편곡**
공연 전 안무가, 음악 디렉터와 만나 라이브에 맞춘 스템(보컬 스템, 백트랙, 클릭 등)을 준비한다. 공연 시스템(인이어, FOH)에 맞춰 편곡을 조정해 연출적 순간을 재현한다.
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## 이재의 보컬 디렉션 — 가수가 노래하도록 만드는 구체적 과정
**준비와 감정 지도(Emotional Map)**
녹음 전 이재는 한 장짜리 ‘감정 지도’를 제공한다. 장면 설명, 캐릭터의 정서 변화, 키워드(예: 억눌린 분노, 터져 나오는 그리움), 원하는 톤을 명시해 가수가 노래 안에서 연기할 수 있도록 돕는다. 레퍼런스 보컬이나 배우 연기 클립도 함께 준다.
**워밍업과 기술적 세팅**
세션은 항상 호흡·발성 워밍업으로 시작한다. 곡에 필요한 호흡 길이, 고음 처리, 연속적 멜리스마에 맞춘 연습을 한다. 마이크·프리앰프·컨덴서 선택 등을 통해 가수가 가장 자연스럽게 표현할 수 있는 세팅을 맞춘다.
**가이드 보컬과 레퍼런스**
이재는 감정이 담긴 가이드 보컬을 직접 불러서 제공한다. 가이드는 기계적인 타이밍이 아닌 감정형을 보여주며, 가수는 이를 따라가며 자신의 방식으로 표현하도록 유도된다. 완성 오디오의 문맥을 보여주는 레퍼런스 트랙도 함께 제공해 공간감·이펙트 사용 시점을 이해하게 한다.
**프레이징·단어 처리·액팅**
노래는 연기다. 이재는 자음 처리, 모음 조정, 호흡 위치 등 작은 디테일로 의미를 강화하게 한다. 물리적 은유(“‘부서진다(break)’에서 문을 밀어내는 힘을 상상해라”)를 사용해 몸의 움직임을 소리로 연결시킨다.
**스택과 하모니, 애드립**
코러스는 보통 스택(중복 레이어)으로 풍성하게 하고, 하모니는 보컬 색깔을 맞추기 위해 리드 보컬과 동일 가수가 일부 레이어를 녹음한다. 애드립과 백보컬은 서사적 장치로 사용되며, 때로는 기억이나 환영을 표현하는 역할을 한다.
**다수 테이크 확보와 컴핑**
감정적인 테이크를 많이 확보한 뒤, 가장 진짜 같은 프레이즈를 조합(comp)한다. 즉흥적 순간이나 작은 헛소리까지도 때로는 감성적 진실을 담고 있어 보관한다. 편집 단계에서는 자연스러운 흐름을 해치지 않는 선에서 최소한의 보정만을 한다.
**톤 보정과 표현 보전**
피치 보정은 필수이지만 남용하지 않는다. 비브라토, 글리산도 같은 사람만의 표현은 보전하고, 날카롭게 튄 음만 교정하는 원칙을 따른다. 결과적으로 사람 냄새 나는 보컬이 믹스에서 돋보이게 만든다.
**감정적 강조를 위한 이펙트 사용**
홀로그램처럼 들리는 필터드 리버브, 특정 음절에만 걸리는 딜레이 자동화 등 이펙트는 감정적 강조를 위해 정교하게 배치한다. 이펙트는 감정을 대변하거나 공간감을 주는 도구로 사용된다.
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## 캐릭터 테마와 세계관 음악 설계
이재는 캐릭터나 장소마다 고유 모티프를 만들어 귀에 남도록 설계한다. 모티프는 단순한 멜로디나 리듬 셀로 시작해 팝 싱글, 배틀 테마, 대기음악 등 여러 트랙에서 변형되어 재등장한다. 악기 선택도 서사적 의미를 가지며, 주인공 테마는 따뜻한 고음 플럭으로 시작하고 적의 테마는 저역의 금속성 리듬으로 꾸민다.
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## 성장, 도전, 작업 태도
이재의 성장에는 거절과 재도전이 반복되었다. 초기 데모가 퇴짜를 맞을 때마다 그는 피드백을 빠르게 수용하고 개선하는 법을 배웠다. 멘토들의 조언으로 전통 악기 연주자, 편곡가와 협업하는 자세를 익혔고, 일상적으로 매일 듣기와 짧은 작곡 스프린트를 통해 감각을 유지한다. 기술적 문제는 반복으로 해결하지만, 감정적 진실성은 타협하지 않는 것이 그의 믿음이다.
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(끝)
**Biography & early background**
Lee Jae grew up in a household where music was constant: parents who listened to older ballads and folk records, a sibling who learned piano, and neighborhood festivals that left impressions of communal singing and rhythmic celebration. From an early age he was curious about sound—how a single melody could make a room change mood, how a drum pattern could make people move together. That curiosity led him to formal lessons in piano and basic theory, but his real education came from listening widely: pop and R&B on the radio, film scores late at night, traditional Korean gugak passed down at family gatherings, and the electronic textures of modern dance music.
**Musical education and formative influences**
Lee combined conservatory-style study with voracious self-directed learning. He studied harmony and orchestration in school while teaching himself digital audio workstations (DAWs) and synthesis. Influences include classic film composers (for their sense of leitmotif and tension), contemporary pop producers (for hooks and commercial structure), and traditional Korean musicians (for modes, timbres, and rhythmic patterns). Over time he developed an approach that respected classical technique but embraced production-era tools: hybrid orchestration, live instruments processed through software, and rhythm programming that draws from both Korean folk meters and global pop grooves.
**Early career & first projects**
His first professional work came from writing sketches and production tracks for indie artists and small theatre productions. These projects trained him in tight turnaround, collaborating with vocalists who had limited studio experience and directors who wanted precise emotional beats. He learned to make fast, communicative demos that conveyed mood and arrangement without polished production—an ability that later proved crucial in K-pop studio workflows.
**Breakthrough and involvement with *K-Pop: Demon Hunters***
When the *K-Pop: Demon Hunters* project began, producers wanted music that could exist on two levels: ear-catching pop singles for mainstream release, and cinematic, motif-driven pieces that supported a mythic narrative. Lee was brought in for his hybrid skill set. He developed character motifs (musical signatures for Suho, Jisu, and the antagonists), arranged pop songs that doubled as magical “sigils,” and produced battle themes that used rhythmic choreography cues. His work on the project emphasized the idea that a song can be both a chart hit and a narrative device—hooks that double as ritual chants, drops that function as ritualized percussive seals.
**Signature sound & compositional approach**
Lee’s signature is layered contrast: warm, organic instruments (string pads, woodwinds, acoustic guitar, gayageum samples) framed by sharp, modern production (synth leads, aggressive percussion, side-chained atmospheres). He composes with motif-first thinking: a small interval or rhythm becomes a hook, and that motif is stretched, inverted, and reharmonized across different tracks so the entire soundtrack feels coherent. He favors dynamic arrangements—sections that breathe, moments that strip back to an intimate vocal + minimal texture, then explode into full-band or orchestral statements. Textural detail is paramount; subtle background sounds—distant bells, field recordings of markets or subway stations, hollow temple reverbs—give each cue a sense of place.
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## The songwriting & production pipeline — from idea to finished song
**1. Concept & brief**
Lee begins with a concept: is the track a character theme, a concert single, or a battle cue? He maps narrative needs (emotion, tempo, instrumentation), the intended arrangement for live performance, and commercial targets (length, hook timing).
**2. Sketch / demo phase**
He makes quick demos (30–90 minutes) to lock mood and form—piano or synth sketch, a simple beat, and a rough vocal guide. These demos are deliberately rough: they communicate the song’s scaffolding so stakeholders (directors, label execs, choreographers) can react quickly.
**3. Pre-production & arrangement**
Once approved, he fleshes out arrangement: intros, drops, bridges, and instrumental breaks keyed to potential choreography. He writes guide charts for session musicians and arranges parts for traditional instruments when needed, often notating motifs but leaving space for performer interpretation.
**4. Production & sound design**
Lee programs drums, designs synths, records live instruments, and blends them. He often records small ensembles (strings, woodwinds) in close mic setups, then processes them—saturation, granular effects, or spectral shaping—to sit in a modern pop mix. For *Demon Hunters*, he integrated traditional Korean instruments either with recorded players or high-quality sample libraries, then treated those sounds with contemporary production (sidechain compression, transient shaping) so they read as both ancient and modern.
**5. Vocal production & recording**
Vocal production is a central focus (see below for an extended section). Lee crafts guide vocals, reference tracks, and emotional maps so singers can inhabit the character. He directs phrasing, breath placement, and dynamic shading to match the song’s dramatic arc.
**6. Editing, comping & tuning**
After recording, Lee compiles the best takes (comping) and edits for timing and feel. Pitch correction is used tastefully: correct where needed but preserve micro-pitch and human breath to keep emotion intact. He prefers “melodic-aware” tuning that preserves vibrato and nuance.
**7. Mixing & mastering**
Mixes prioritize clarity of hook and vocal presence while honoring low-end impact for live systems. He mixes to leave headroom for mastering, which balances perceived loudness without killing dynamics—especially important when a song must function both as a radio single and a cinematic battle cue.
**8. Pre-release rehearsal & live arrangement**
Before release and especially prior to stage performances, Lee meets with choreographers and musical directors to adapt arrangements for live bands, in-ear monitoring, and choreography cues. He produces performance stems (vocal stems, backing tracks, click track, intro/outro cues) so live shows can reproduce the dramatic moments reliably.
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## How Lee makes singers perform — detailed vocal direction process
**Preparation & emotional mapping**
Before the singer enters the booth, Lee provides a short “emotional map”: one-page notes that describe the scene, the character’s emotional arc through the song, key words, and desired tone (e.g., “restrained anger,” “longing that breaks at the pre-chorus”). He also shares reference performances—both vocalists and actors—so the singer has concrete models.
**Warm-ups & technical setup**
Sessions start with breathing and vocal warm-ups matched to the song’s demands (long sostenuto lines, quick melisma, chest-voice power). Microphone choice and preamp settings are selected to flatter the singer’s timbre; he prefers a setup that requires the least corrective processing so natural expression remains.
**Guide vocals & reference tracks**
Lee provides a guide vocal that demonstrates phrasing, pitch contour, and timing. The guide is almost always sung expressively—he wants singers to copy an emotional shape rather than robotic timing. Reference tracks (finished mixes or isolated phrases) help singers hear production context: where to hold notes for reverb tails, where to cut breath to leave space for a dramatic drop.
**Phrasing, word painting & acting**
Lee coaches performers to “act” while singing: small changes in consonant delivery, vowel modification, or breath placement can sharpen meaning. He uses concrete physical metaphors (“imagine pushing against a heavy door on the word ‘break’”) so singers can translate feeling into measurable actions.
**Stacking, harmonies & ad-libs**
He plans and records stacked lead layers for warmth, double tracks for choruses, and carefully arranged harmonies. Backing vocals and ad-libs are used narratively—an echoing vocal line might represent a character’s memory. Lee often records harmonies with the lead singer to match tone color, then supplements with session singers or vocalists with contrasting timbres.
**Multiple takes & risk management**
Lee prefers capturing many emotional takes rather than obsessing over perfect pitch on the first pass. This generates options for comping and allows the most emotionally truthful phrases to be selected. He also schedules “late” short sessions after initial recording to capture ad-libs or spontaneous moments.
**Comping & subtle tuning**
When comping, Lee chooses complete phrases that feel real. Tuning is minimal and musical: he tweaks only where pitch distracts, preserving slides and breaths to keep human expression. He focuses on transient attacks and alignments so the vocalist sits in the mix without losing pulse.
**Production effects for expression**
Effects—delay that swells on a held note, filtered reverb to imply distance, saturation to add grit—are used to underline emotion. He often automates effects so they arrive at the exact moment the lyric demands emphasis.
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## Character themes, world-building, and narrative cohesion
For *K-Pop: Demon Hunters* Lee invents leitmotifs: short intervals or rhythmic cells that identify a character or a supernatural force. He reuses and transforms these motifs across pop singles, battle cues, and atmospheric pieces so listeners get subconscious continuity. He also uses instrumentation as a storytelling device: Suho’s theme might always include a bright plucked string, while Jisu’s motif uses a fast rhythmic percussive element. Antagonists are underscored with low spectral material and mechanical rhythms that contrast with the human warmth of the protagonists.
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## Artistic growth, challenges, and work ethic
Lee’s growth story includes early setbacks—rejected demos, tight budgets, and creative compromises. He learned to translate feedback into revisions quickly while protecting the core emotional idea. Mentors (older composers, arrangers, and traditional musicians) shaped his respect for craft. He keeps a disciplined routine: daily listening, regular composition sprints, and weekly collaboration sessions with vocalists and instrumentalists. Failure for him is a learning point; technical problems are solvable with iteration, but loss of emotional honesty is not.
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# 한국어 — 케이팝 데몬헌터스 작곡가 **이재**의 상세 프로필 (성장과정·작곡/녹음/보컬 디렉션 과정 포함)
**성장 배경과 초기 음악 경험**
이재는 집 안에서 항상 음악이 흐르는 환경에서 자랐다. 부모는 옛 발라드와 민요를 즐겨 들었고, 동생이 피아노를 배우는 모습을 보며 자연스럽게 멜로디와 리듬에 흥미를 가지게 되었다. 어린 시절부터 그는 한 소절의 멜로디가 공간의 분위기를 바꾸는 경험, 한 박자의 리듬이 사람들을 움직이게 하는 힘을 관찰하며 자랐다. 정식으로는 피아노와 기초 음악 이론을 배우기 시작했지만, 학습의 많은 부분은 스스로 다양한 장르를 듣고 실험하면서 채워졌다. 라디오의 팝·R&B, 늦은 밤 들은 영화음악, 가족행사에서 들은 국악, 그리고 전자음악의 텍스처까지 폭넓게 흡수했다.
**음악 교육과 형성기 영향**
그는 정규 교육에서 화성학과 관현악법을 배웠고, 동시에 DAW와 신디사이저를 독학했다. 형식적인 작곡 기법은 오케스트레이션과 주제 개발에 도움을 주었고, 스스로 익힌 프로덕션 기술은 현대적인 사운드를 만들게 했다. 영화음악가의 주제 개발 방식, 팝 프로듀서의 훅 구성법, 한국 전통음악의 음색과 리듬 모두가 그의 음악적 언어를 만들었다. 결국 그는 전통적 기법과 현대 제작 기술을 결합한 하이브리드 스타일을 확립했다.
**초기 활동과 첫 실무 경험**
초기엔 인디 아티스트의 프로덕션, 소규모 연극음악, 광고 스케치 작업 등을 하며 프로페셔널한 환경에 적응했다. 이 과정에서 짧은 시간 안에 정서와 편곡을 전달하는 능력, 한정된 예산과 시간 내에서 최대 효과를 내는 방법을 배웠다. 이런 실전형 스킬이 이후 K-Pop 스튜디오 환경에서 빠른 결정과 반복에 매우 유용하게 작용했다.
**케이팝 데몬헌터스와의 인연**
*케이팝 데몬헌터스* 프로젝트에서 제작진은 ‘차트 히트곡이면서 이야기의 장치로 기능하는 음악’을 원했다. 이재는 캐릭터별 모티프 제작, 팝 곡 속 기호(ritual-like hooks) 설계, 전투 테마의 안무/박자 신호화 등을 통해 요구를 충족했다. 그의 목표는 “노래가 곧 마법 의식”이라는 콘셉트를 음악적으로 설계하는 것이었다.
**시그니처 사운드와 작곡 방식**
이재의 특징은 대조의 레이어링이다. 따뜻한 어쿠스틱 레이어(현악 패드, 목관, 어쿠스틱 기타, 가야금 샘플 등)를 날카로운 현대적 프로덕션(신디 리드, 공격적인 퍼커션, 사이드체인된 앰비언스)으로 둘러싸는 식이다. 모티프 중심 작곡을 선호해 짧은 간격이나 리듬 셀을 훅으로 삼아 곡 전체에서 변형해 사용한다. 또한 동적 편곡을 좋아해, 최소한의 편곡에서 시작해 감정이 폭발하는 대규모 클라이맥스로 발전시키는 구조를 자주 쓴다.
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## 작곡과 제작의 단계별 과정 (아이디어 → 완성곡)
**1. 컨셉과 브리프 정리**
트랙의 목적(캐릭터 테마, 콘서트 싱글, 전투용 악곡 등)을 정하고, 감정·템포·악기 구성을 계획한다. 라이브 퍼포먼스와 상업적 목표(후크 타이밍, 길이)도 초기부터 고려한다.
**2. 스케치/데모 단계**
피아노나 신스 스케치, 간단한 비트, 러프 가이드 보컬로 30~90분 내에 데모를 만든다. 이 데모는 기획자, 연출가, 레이블이 빠르게 피드백할 수 있게 만든다.
**3. 프리프로덕션/편곡**
인트로·드롭·브리지 등 구성요소를 세부화하고 안무와 맞물리는 부분을 설계한다. 실제 연주자를 위한 악보를 작성하되 즉흥적 여지를 남겨두는 편이다.
**4. 사운드 디자인과 프로덕션**
드럼 프로그래밍, 신스 디자인, 라이브 악기 녹음을 병행한다. 현악·목관 등은 근거리 마이크로 녹음한 뒤 소프트웨어로 가공해 현대적 사운드로 녹여넣는다. 국악 악기는 직접 연주자 섭외 또는 고퀄 샘플을 사용해 녹음하고, 이후 프로덕션에서 처리하여 고전성과 현대성의 균형을 맞춘다.
**5. 보컬 프로덕션과 녹음**
보컬 작업은 매우 중요하다. 가이드 보컬과 레퍼런스를 제공해 가수가 곡의 정서를 정확히 이해하게 하고, 발음·호흡·프레이징을 디렉팅한다. (아래에 더 상세 기술)
**6. 편집·컴핑·튜닝**
녹음 후에는 최적의 프레이즈를 조합해 컴핑하고, 타이밍·톤을 보정한다. 피치 보정은 감정을 훼손하지 않도록 최소한으로 사용한다.
**7. 믹싱·마스터링**
훅과 보컬을 중심에 두고 저역의 힘과 다이내믹을 유지하도록 믹싱한다. 마스터링은 라디오와 스트리밍 포맷에서 충분히 경쟁력 있는 음량을 얻되, 이야기적 다이내믹을 훼손하지 않도록 조정한다.
**8. 리허설·라이브 편곡**
공연 전 안무가, 음악 디렉터와 만나 라이브에 맞춘 스템(보컬 스템, 백트랙, 클릭 등)을 준비한다. 공연 시스템(인이어, FOH)에 맞춰 편곡을 조정해 연출적 순간을 재현한다.
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## 이재의 보컬 디렉션 — 가수가 노래하도록 만드는 구체적 과정
**준비와 감정 지도(Emotional Map)**
녹음 전 이재는 한 장짜리 ‘감정 지도’를 제공한다. 장면 설명, 캐릭터의 정서 변화, 키워드(예: 억눌린 분노, 터져 나오는 그리움), 원하는 톤을 명시해 가수가 노래 안에서 연기할 수 있도록 돕는다. 레퍼런스 보컬이나 배우 연기 클립도 함께 준다.
**워밍업과 기술적 세팅**
세션은 항상 호흡·발성 워밍업으로 시작한다. 곡에 필요한 호흡 길이, 고음 처리, 연속적 멜리스마에 맞춘 연습을 한다. 마이크·프리앰프·컨덴서 선택 등을 통해 가수가 가장 자연스럽게 표현할 수 있는 세팅을 맞춘다.
**가이드 보컬과 레퍼런스**
이재는 감정이 담긴 가이드 보컬을 직접 불러서 제공한다. 가이드는 기계적인 타이밍이 아닌 감정형을 보여주며, 가수는 이를 따라가며 자신의 방식으로 표현하도록 유도된다. 완성 오디오의 문맥을 보여주는 레퍼런스 트랙도 함께 제공해 공간감·이펙트 사용 시점을 이해하게 한다.
**프레이징·단어 처리·액팅**
노래는 연기다. 이재는 자음 처리, 모음 조정, 호흡 위치 등 작은 디테일로 의미를 강화하게 한다. 물리적 은유(“‘부서진다(break)’에서 문을 밀어내는 힘을 상상해라”)를 사용해 몸의 움직임을 소리로 연결시킨다.
**스택과 하모니, 애드립**
코러스는 보통 스택(중복 레이어)으로 풍성하게 하고, 하모니는 보컬 색깔을 맞추기 위해 리드 보컬과 동일 가수가 일부 레이어를 녹음한다. 애드립과 백보컬은 서사적 장치로 사용되며, 때로는 기억이나 환영을 표현하는 역할을 한다.
**다수 테이크 확보와 컴핑**
감정적인 테이크를 많이 확보한 뒤, 가장 진짜 같은 프레이즈를 조합(comp)한다. 즉흥적 순간이나 작은 헛소리까지도 때로는 감성적 진실을 담고 있어 보관한다. 편집 단계에서는 자연스러운 흐름을 해치지 않는 선에서 최소한의 보정만을 한다.
**톤 보정과 표현 보전**
피치 보정은 필수이지만 남용하지 않는다. 비브라토, 글리산도 같은 사람만의 표현은 보전하고, 날카롭게 튄 음만 교정하는 원칙을 따른다. 결과적으로 사람 냄새 나는 보컬이 믹스에서 돋보이게 만든다.
**감정적 강조를 위한 이펙트 사용**
홀로그램처럼 들리는 필터드 리버브, 특정 음절에만 걸리는 딜레이 자동화 등 이펙트는 감정적 강조를 위해 정교하게 배치한다. 이펙트는 감정을 대변하거나 공간감을 주는 도구로 사용된다.
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## 캐릭터 테마와 세계관 음악 설계
이재는 캐릭터나 장소마다 고유 모티프를 만들어 귀에 남도록 설계한다. 모티프는 단순한 멜로디나 리듬 셀로 시작해 팝 싱글, 배틀 테마, 대기음악 등 여러 트랙에서 변형되어 재등장한다. 악기 선택도 서사적 의미를 가지며, 주인공 테마는 따뜻한 고음 플럭으로 시작하고 적의 테마는 저역의 금속성 리듬으로 꾸민다.
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## 성장, 도전, 작업 태도
이재의 성장에는 거절과 재도전이 반복되었다. 초기 데모가 퇴짜를 맞을 때마다 그는 피드백을 빠르게 수용하고 개선하는 법을 배웠다. 멘토들의 조언으로 전통 악기 연주자, 편곡가와 협업하는 자세를 익혔고, 일상적으로 매일 듣기와 짧은 작곡 스프린트를 통해 감각을 유지한다. 기술적 문제는 반복으로 해결하지만, 감정적 진실성은 타협하지 않는 것이 그의 믿음이다.
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(끝)